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lunes, 29 de marzo de 2010

El Buen Gusto

A mis amigos, condenados a un sufrimiento inagotable por el bien de la humanidad.

The same refinement which brings us new pleasures exposes us to new pains.
(Edward Bulwer-Lytton)


Hay quien dice que el aristócrata ejemplar, debería ser todo él un puro paladar. Y es que en este mundo hay quienes elaboran los bienes y quienes se dedican a disfrutarlos, ejercitando esa clase de juicio específica de los sentidos, que llamamos "el buen gusto".

Para entrenar este verdadero músculo, se requiere de tiempo, dedicación, auto-postergación, pero sobre todo de una sed inagotable de nuevos estímulos, un desprecio infinito hacia el conformismo y un desprendimiento casi magnánimo de sea cual sea la moneda de cambio. “Dadle al César lo que es del César y entregadme Roma, que es mía por derecho.” Hoy en día la aristocracia es un disfraz que adorna al poderoso, una suerte de remedo patético del burgués sin otro título nobiliario que el polvo en sus calcetines y sin más cultura que una revista de supermercado. Dejemos a un lado los reparos jesuíticos y los discursos sociales, la aristocracia no tiene nada que ver con el dinero, es una condición afortunada e injusta, pero detrás de todo lo alzado hay grandes sacrificios. Si nuestros antepasados hubiesen sido tan escrupulosos como nosotros, ningún monumento, ninguna demostración de la locura y el exceso humano, una historia sin pirámides ni filósofos, ni músicos ni brocados exquisitos cubriendo el talle de hermosas doncellas perfectamente adiestradas para tocar el clavecín. Un pasado sin perfumes ni literatos ociosos que nos obsequiaran hoy de sus breves iluminaciones. Una historia como aquella no es digna de ser recordada. Es gracias a estos deportistas del gusto, a estos paladares, oídos y bocas ávidas de nuevas sensaciones, que tenemos hoy un patrimonio cultural.

Sucede que hoy, quienes cultivan ese músculo del gusto, rara vez tienen en su bolsillo la moneda de cambio de la cual felizmente se desprenderían para conseguir los tan deseados bienes, que en manos de otros no hacen sino rectificar la maldad esencial de la existencia. Estos individuos notables no han sido hechos para trabajar, son ajenos a los avatares perversos del materialismo histórico. Sus cuerpos están atrofiados, son meros receptáculos, meros órganos sensitivos cuyo refinamiento es una suerte de segundo molde sobre el cual se funden los goces de esta vida. Hay quién dice que es el trabajo la actividad esencialmente humana, pero la misma persona no dictamina el fusilamiento inmediato de esa corte de zánganos que de la noche a la mañana son expuestos a los peligros de la inanición. Y otra persona dictamina que quien desea los goces puede obtenerlos si es que su éxito lo predestina a ellos, pero no le deja la posibilidad lógica de labrárselo, abandonándolo a las peores dificultades. Tal es la maldad sobre la cuál estos próceres de la moral deberán ser juzgados.

El buen gusto es una condena y quien lo practica se expone a las peores vejaciones. Por que es verdad, que cuando conocemos el valor de una joya, cuando hemos cultivado ese deseo toda una vida y la hemos visto en sueños hasta la más íntima de sus fibras, es como si la joya fuera nuestra y constituye un verdadero castigo ver que le ponen un precio, que se la ofrece a un postor ignorante, ¡que queda a merced del comercio más inmundo! Y es que el orfebre debe sobrevivir. La belleza de este mundo existe con razones y designios que nos están vedados. Está implicada hasta en los pliegues más íntimos de la trama social, haciendo las veces de punto en un bordado.

Mónica Vitti en "La Notte" de Michelangelo Antonioni

Es curioso lo que sucede con las mujeres bellas. Rápidamente la sociedad las convierte en objetos de deseo, son el anzuelo que mantiene enganchados a los hombres de mérito, ese apremio por vivir según las exigencias de una institución absurda; perversa naturaleza de la cual somos meros inquilinos. El poseedor de una joya tal, puede estar muy por debajo de lo que nosotros consideraríamos la verdadera ejemplaridad y sin embargo se nos impone como modelo a seguir. Y es que, aquel que cultiva el gusto por la belleza femenina, conoce las reglas a las que atenerse. Deberá estar dispuesto a venderse a los intereses del grupo, convertirse en propietario de esa dudable moneda de cambio que recibe el nombre de poder. He aquí un ejemplo de esas niñas fatales – porque es preciso subrayar el hecho de que son mujeres que rehúyen la adultez – hija de la aristocracia decadente, una Mónica Vitti que abisma la imaginación delante de ese paisaje bucólico, verdadero Trompe l’Oeil de un pasado distinguido y unas costumbres tal vez más moderadas.

Tal es amigos míos, el precio que hay que pagar por un refinamiento en el que ni bien incurrimos, se encumbra sobre todos los otros. La naturaleza ha dictaminado que el individuo evolutivamente capaz sea el feliz poseedor de sus más delicadas piezas de orfebrería. Pero hay un refugio, tal vez un mero tecnicismo que nos salva a nosotros, espíritus escépticos, renuentes a los fuegos fatuos del éxito, de caer en la desesperación. ¡Vanita vanitatis et omnia vanitas!

"La grande bouffé" de Marco Ferreri


El deportista del gusto siempre tiene la posibilidad de rebelarse. Es más, hay quienes sostienen que sólo en rebelión se desarrolla una verdadera afición por la disciplina de los sentidos, que sin excesos no puede alcanzar su ser más pleno. Es el caso de los cuatro amigos que se reúnen a comer hasta reventar en “La grande bouffé”. La comida ha dejado el gobierno de la supervivencia y ha pasado al de los goces, que son ilimitados. Ya no se persigue un bien que esté disponible en lo social y por cuya lucha se decida el más poderoso; se trata de alterarlos, escenificarlos, animarlos si es necesario con tal de llevar a acto el inagotable deseo. Diremos aún más; y es que el hombre de gusto tiene una aversión completa a lo ya hecho y no realiza su arte hasta el momento en que inventa un goce a su medida. Es por ello que a otros espíritus menos refinados, sus preferencias les pueden parecer muchas veces grotescas.

El refugio que tantos han buscado lacerando a su cuerpo, enseñándole el arte del hambre, no es más que una ilusión de libertad que se agota en un producto incompleto. Lo bienes permanecerán allí, y aún redoblados en su esplendor por nuestro estado debilitado; esa huelga inútil por la justicia. La verdadera libertad reside en la imaginación, en un mecanismo de equiparación entre pensamiento y acto, haciendo de la vida un material infinitamente manipulable; una verdadera hybris de lo creado. He aquí donde los moralistas yerran, al dirimir sobre la naturaleza de los hombres: los apetitos no son bajos, son la expresión de un exceso y como tal, algo que nos diferencia de los animales. Porque al hombre no le basta con saciar su apetito, sigue elaborando hasta crear una verdadera mímesis del goce y es allí donde comienza positivamente el dominio de su espíritu. Tanto tiempo pasa el hombre en este dominio, que las imágenes así creadas, esas huellas perceptivas de las que habla Freud en sus primeros escritos, cobran aquí una realidad resistente a la lógica.


La mujer no es toda la perfección que el ojo ve, sino en gran parte, una obra de la misma voluntad; obsesiva, neurótica, que busca en ella la realización de lo imposible. Es como aquella observación aguda de lo natural, que tiene como producto un mecanismo infinitamente complejo y no es hasta cierto punto, más que una creación de nuestro propio intelecto[1]. Tal es el caso de James Stewart en “Vértigo”, o de José Luis López Vásquez en “Peppermint Frappé”. Hombres que buscan una identidad imposible entre el recuerdo de una mujer que nunca existió y un presente inepto, que no hace sino impacientarlos. La verdad es que toda identidad es para el gustador un hecho incompleto y de ahí su total avidez, su incansable proyecto, su movimiento incesante a la vez que inútil; como la iteración que condena a Sísifo por toda la eternidad.


Vladimir Nabokov

Hay quienes, como Humbert Humbert con su Lolita, deciden intervenir más temprano y construir su ideal ab ovo. Humbert fantasea con instruirla, convertirla en su pupila; esculpirla como un verdadero Pigmalión. Pero Humbert Humbert, no es más que un escritor fracasado, lo dioses no pueden obsequiarlo con un regalo que no se ha ganado con su arte y pueden en cambio torturarlo, poniendo en él la capacidad de imaginarlo hasta el último de sus detalles. Tal es la condena de Nabokov o la de Proust, cuando intentan reproducir una memoria infinita con la palabra; no pueden alcanzar más que un fetiche, un objeto que produce salivación y que genera después de un tiempo una desesperanza aprendida. Más extremo aún es el caso del personaje de César Aira en su “Novela China”, donde el protagonista adopta una recién nacida para que sea su futura esposa. El plan supera al deseo, se convierte en una compulsión que jamás obtendrá a su objeto. Son todos fracasos positivos, esfuerzos vanos que con suerte ponen ante nosotros la detestable moraleja de ser medidos en nuestras pasiones.

La imaginación es el bien más preciado del gustador en su admiración de la obra perfecta. Pero para que haya imaginación deberá existir primero una falta, una pérdida. Ese momento perdido, ese edén particular e irrepetible es el que busca sin cesar el hombre de gusto. Y es que la belleza, precisión y armonía de esta máquina que es lo vivo, sólo se hace visible con una fuerza capaz de accionarla, de darle en su influjo el movimiento para poder interpretarla. Tal es el músculo del gusto, ese gran creador de mitos, animador de arena incansable que desafía todo lo corruptible y por el cual padecemos hoy como verdaderos mártires.


[1] Schopenahuer desarrolla esta idea en su tratado sobre la voluntad en la naturaleza, contenido en su Die Welt als Wille und Vorstellung.

domingo, 28 de febrero de 2010

Facts without moral


Voy a relatarlo en orden, para no perder su significado, ajeno a mí, como estas palabras que me salen a borbotones, testigos indómitos de una fatalidad vedada.

Un yo te quise insoportable, abrumador,
Un corre que te pillo, para perder de vista la memoria del presente,
Un éxito silencioso, insuficiente, poco auspicioso.
Un beso tirado al aire, como haberse perdido la mitad de la película.

Un chiste en otro idioma, o quizá la vida misma, 
como si nos viniera transformada.

Basta asumir la equivocación y ser una mejor persona, 
un curita noble que recibe regalitos, 
impresos como un sello de agua en sus sábanas.

Boquita que me besas insustancial, en un tiempo remoto como al alcance de la mano. 
Luego vendrá el temblor, que nos estremece boquita, como una ola que viniera a dar cuenta, de la debilidad de nuestra embarcación.

Y tú y yo nos vendríamos abajo, con nauseas dichosas, 
un juego de carrusel para nuestras mientes, un ejercicio bellísimo de inconsistencia.
Arriba abajo, la alfombra que nos asusta, que nos remece para despertarnos y contarnos que viajamos. ¿Sabías que viajábamos boquita? Una boquita hecha de palabras, como dibujada…

Mi insistencia te lastima, te raspa palabras para dibujarte, para saber quién eres.
Te cuenta, en la holgura de una oscuridad redentora,
Que tampoco estaba muy segura de quererte y que la perdones por perseguirte, cuando no sabía que eras una y la misma sombra.

martes, 23 de febrero de 2010

Las puestas en abismo de nuestra infancia

De niño me provocaba un terror originario este envase de Royal, que por una suerte de piedad o soberbia histórica se ha mantenido inalterado por varias generaciones. No podía, ni puedo todavía hoy, explicarme porqué un odioso publicista querría plantear a inofensivos consumidores de levadura, una intríngulis tan grande como la planteada por este envase. ¿Cuál es la última lata de Royal? ¿Existe, o es sólo una sugerencia inacabada, un objeto del deseo puesto allí para generar una compulsión? Esta última hipótesis me parece atractiva, pero definitivamente ninguna estrategia publicitaria podría crearnos una necesidad tan inmensa de levadura. ¿Y si a la Coca-Cola se le hubiese ocurrido lo mismo...? Mejor no pensar en esa posibilidad, tan aterradora como probable.

Algo tendrá que ver la efervecencia con la recursividad. Hoy he descubierto que la legendaria lata de Polvos Royal no es el único ejemplo de puesta en abismo en los productos de la canasta familiar. En "La misteriosa llama de la reina Loana" de Umberto Eco, un amnésico con memoria de papel; parodia de un Funes en un polvoriento Combray, rescata de un desván un envase de aguavichí marca Brioschi, que ilustra una camarera regordeta que ofrece a dos elegantes señores el producto y por supuesto, el diseño de la lata ofrecida no puede ser otro que el de la tríada representada ad infinitum.



Parece ser que se trataba de un artificio bastante común en estos primeros retoños de la revolución industrial, una suerte de metafísica disfrazada de costumbre en el más puro estilo fin de siècle. Navegando la red he visto otros ejemplos igualmente ilustrativos. La originalidad de Eco, al menos en esta novela, consiste en no pretender ninguna. Su infancia o la mía, son la de cualquier persona. Cada cierto tiempo, reaparece lo demoníaco, lo inalcanzable en los objetos más inanes. La adultez, por más patético que suene, es buscar una salida intelectual, moral, o puramente materialista a estos terrores infantiles. La mía fue la siguiente:

Todavía hoy no existe, un dispositivo capaz de ilustrar con todos sus detalles la última lata de Polvos Royal. He sometido la lata a un somero análisis óptico y la quinta lata ilustrada no es más que una mancha azulada de una indefinición francamente triste. Sin embargo sigo prefiriendo esta marca a cualquier otra, por su originalidad, por su lealtad incondicional al espíritu del novecento. Quién sabe si en algunos años más aparezca una versión de la vetusta lata de polvos de hornear en versión HD, o en lo que sea que hayan inventado para que veamos más y mejor. Pero no, eso sería traicionarse, el terror nunca será más que una sugerencia, un concepto incabado, definirlo es contenerlo, inmovilizarlo.

sábado, 20 de febrero de 2010

El fin de la escritura es el comienzo de la memoria

No decir nada, por no estar preparado. 
No escribir. 
Preparar, ejercitarse en el no decir. 

Todo atisbo es incompleto, insuficiente, inverosímil. 
Anotarlo, registrarlo, es una ridiculez, una vanidad deleznable.

Todos los días el absoluto se boicotea, 
borra deliberadamente la memoria del mismo paso atisbado. 
Tropezamos con las mismas varas que hemos puesto para señalar el camino. 
Escribimos las mismas palabras, revueltas, forzosamente rejuvenecidas.

No hay aprendizaje, no hay más que memoria ya vivida, 
olvidada aunque, cuidadosamente archivada para su reproducción fidedigna en un futuro próximo. 

Simulacros de saber. Simulacros de conocimiento. 
Bocetos al vuelo de uno mismo, en el engaño interminable de un espejo bienamado y redentor.
Saber la verdad es una ofensa: a todas las pequeñas verdades. 
Conocer la palabra, ¡conclusiva! es ser aguafiestas. 
Subestimar lo infinitamente repetido.

Lo grande y lo pequeño: son pliegues, uno más grande que el otro, sin saber cuál originó al otro.
Detalles que nos informan de la transparencia, de lo insoportablemente cierto. 
Detalles esparcidos como un puro festejo de los sentidos; sin orden ni jerarquía, 
como una alfombra persa ondulando ante nuestros ojos, 
esperando ser desagarrada en su vuelo insustancial y por ello invulnerable.

Se podrá herir al ojo, pero la visión quedará intacta. Será el camino pretrazado, el puro lenguaje cifrado de lo que vive, sin otro alimento que el deseo.

miércoles, 15 de julio de 2009

El cine en la ciudad


Por José Ignacio Contreras

Con objeto de abrir un nuevo espacio de reunión para urbanistas y audio-visualistas en la Plataforma Urbana, decidí escribir un artículo que aborde la relación entre el cine y la arquitectura.

            Existen diversas fuentes de información para pesquisar una relación como ésta, tan antigua como los inicios del cinematógrafo. Sin embargo, son pocos los textos que sistematizan las investigaciones al respecto, y probablemente esto se deba a que en su mayoría han sido guiadas por motivaciones arbitrarias, cuyo propósito estaba lejos de fabricar un discurso científico. Es así que su naturaleza interdisciplinaria la circunscribe a un ámbito menos rígido del conocimiento, donde los grados de libertad pasan de lo convencional a lo estrictamente poético, sin perder por ello su seriedad y la exigencia de una retórica propia.

 

            Lo primero que el cine vio cuando abrió los ojos, fue una ciudad. Hombres que salían de una fábrica, gente a la espera de un tren, chimeneas, sombreros y toda clase de artículos producidos en serie. Vio personas en silencio, que caminaban a una muerte segura, vio niños y perros de los cuales no queda un solo hueso pulverizado, pero que ahí están, una y otra vez pasando frente al objetivo; el polvo reanimado, el ladrido mudo pero perfectamente audible. El cine fue registro del tiempo, de esa materia sutil que ningún instrumento había permitido captar.

            Fue así que en sus comienzos, el cine no era otra cosa que una herramienta de documentación, un paso más del proyecto positivista del siglo XIX. Pero el cine no tardó en convertirse en mirada, en punto de vista, en ojo, que según algunos permitiría ampliar la conciencia a lugares insospechados. Entonces surgieron las primeras sinfonías de ciudad[1], esos poemas visuales que utilizaban la plástica que ofrecía la urbe haciendo con ella una especie de lenguaje, de materia hablante. El cine no sería más un simple creador de evidencia, sino un mecanismo capaz de hacer discursos, un ojo capaz de hacer visible lo invisible.

                    http://www.youtube.com/watch?v=iA9CzYn_fa4&feature=related

                        http://www.youtube.com/watch?v=PZAVMaXdR0k&feature=related

Every major capital of the World was soon catalogued on film. Presented in a factual, non-fiction framework, the city was the primary subject-matter of early avant-garde cinematography in the mid-1920s. A new genre was born: “city film”, or better, “city symphonies”. (H. Weihsmann)

            Fueron estos primeros ensayos con los encuadres, el montaje y los movimientos de cámara, los que impusieron el canon con el que se iría a dialogar de allí en adelante. Pues con ellos se hizo evidente que la naturaleza de la percepción imponía límites y ofrecía posibilidades al soporte cinematográfico del mismo modo que las leyes de la física constreñían la imaginación del arquitecto que proyecta su obra sobre un terreno real. Dichas limitaciones le significaron al cine la continua búsqueda de soluciones argumentales, que encontraron en la ciudad una suerte de camino pre-trazado, pues se trataba de un paisaje ya domesticado por la mano del hombre.

 

            Es así, que el cine y la ciudad funcionan como dos artefactos que fragmentan la existencia y le otorgan un ritmo y cadencia que la modifica; a veces acelerándola, con las autopistas o las elipsis del montaje, otras anestesiándola, con la tranquilidad de los parques y los largos planos- secuencia. Y parece ser que la evidencia de esta continua modificación de la existencia tuvo que esperar al cine para encontrar un medio donde expresarse. No veíamos la ciudad como un organismo completo hasta que fue posible sobrevolarla.

            Ya habían tenido lugar experimentos semejantes mucho antes de que los aviones pulularan el cielo; los dispositivos ópticos y las técnicas de perspectiva (Brunelleschi, Alberti) desarrollados durante el renacimiento se convirtieron en instrumentos precisos de planificación urbana y con ellos comenzó una revolución de la mirada que la llevó al territorio tan fértil como abstracto de la perspectiva. Rápidamente el hombre comprendió que la percepción no era un mero proceso sensible; en su revés abstracto, era posible construir una imagen a partir de unas cuantas líneas bien ordenadas. Del mismo principio se valen en realidad todas las artes, cuya economía se basa en la constante avidez mental por imágenes incompletas, por sugerencias y descripciones breves. ¿Cómo puede la imaginación tener lugar si no viene a llenar un vacío, si no viene en suma, a lanzar un puente entre dos materias cuya proximidad obliga la formación de una tercera?

If an image that is present does not make us think of one that is absent, if an image does not determine an abundance –an explosion– of unsual images, then there is no imagination. (G. Bachelard)

 

The meaning is not in the image, it is in the shadow of the image projected by montage onto the field of consciousness of the spectator. (A. Bazin)

            Los rusos, que supieron entender las posibilidades del montaje, vieron en él sobre todo un medio de abstracción. El efecto descrito por Kuleshov de la significación retrospectiva de un plano en términos de su yuxtaposición con otro (ej. “Hombre + plato de comida= hambre”) puede ejemplificar fácilmente lo que hay de abstracto en un medio cuya declaración es de un invariable materialismo. Einsenstein por su parte, es capaz de llevar este principio a una praxis inédita en las artes visuales, revelando en la magistral escena de la escalera de Odessa, cómo pueden habitar en un mismo espacio dos duraciones completamente opuestas, llevando al cine lo que fue a la música el nacimiento de la polifonía.

                                                     http://www.youtube.com/watch?v=NbEyYdSzgcQ

            En esta escena del Acorazado de Potemkin, los soldados cosacos bajan acompasadamente las escaleras con una fría e inhumana regularidad. Al encuentro de los cosacos una madre camina escaleras arriba con su niño muerto entre los brazos. Los puntos de vista y los ritmos de cada subconjunto llevan nuestra mirada hacia un punto imaginario, donde ambas duraciones parecen ser simultáneas. Un principio similar podemos encontrar en la técnica de la perspectiva artificial desarrollada por Alberti en el Renacimiento y de la cual Rafael es uno de sus máximos exponentes.

En una escalera, que es vía de comunicación entre una planta y otra, hay entonces una invitación a infinitas duraciones posibles. Ella es un espacio que preexiste a los cuerpos y que de alguna manera los contiene en potencia.

            Es gracias a las líneas paralelas que no se encuentran en un plano, que podemos suponer un fuera de campo, un mundo que está fuera de los bordes del cuadro, pero también imaginarnos un tiempo que no están viviendo los personajes ni que viviremos nosotros. Por eso al cine le sirve tanto la cuidad. Porque es una geometría que le permite cerrar el espacio, dar al movimiento humano una suerte de progresión que no encuentra en la naturaleza indómita. La ciudad significa, además de una consecuencia inmediata de las formas de organización social, una forma inacabada de espacializar el tiempo, una búsqueda constante por escenificar la existencia.

 The artistic value of great architecture is not in its material existence, but in the images and emotions that evokes in the observer. Behind every moving image of architecture there is an image of real life. A positive architectural experience is basically a strengthened experience of self which (…) enables one to understand the past and believe in the future. (J. Pallasmaa) 

            El montaje cinematográfico permite una administración del tiempo que oscila entre mostrar la totalidad de las acciones y grados variables de omisión y elipsis. La noción de decoupage, que no es otra cosa que el criterio de unión entre un plano y otro (Burch, 1970), ofreció a los teóricos del cine una forma de comprender la alteración del espacio-tiempo que se producía en el soporte fílmico. A través del decoupage se concentra gran cantidad de espacio en un fragmento pequeño de película, o se mortifica un minuto vivido en varios minutos en pantalla. Es así que el cine libera la conciencia de sus coordenadas rígidas y comienza a manifestar una voluntad de capturar la duración de las cosas. Una puerta que se abre o se cierra, los zapatos que pisan una alfombra, personas que caminan vistas desde la ventana de un edificio, imágenes que saturan el espacio y tiempo, o que permanecen en lo hipotético. Y todo aquello reunido dentro de una duración más grande, tan grande que es imposible percibirla. Podemos si queremos, imaginar en ella a la ciudad completa. Podemos verla años después de nuestra muerte, miles de años bajo la arena para ser algún día redescubierta. ¿Y no busca el cine una inmortalidad parecida? Parece que el cine, igual que la arquitectura, quisiera sobrevivir al hombre, y que el hombre se complace en asistir al espectáculo de los seres que desaparecen al apagar la luz y que volverán a reproducirse siglos después. Son los cimientos abandonados que servirán a las nuevas ciudades, las paredes de una casa antigua que cobijarán la dudosa moralidad de sus nuevos habitantes.

 





[1] Las películas The Man with the movie Camera de Dziga Vertov y Berlin, a Symphony of a great City de Walter Ruttman, son buenos ejemplos de este género.